Cinématographe

No country for old men

Les Coen Bros s’étaient vraiment paumés (ouh l’horrible Ladykillers). Ici, comme O’brother, l’histoire nous vient d’un bouquin : “Non, ce pays n’est pas pour le vieil homme”. Lol hein. Il détaillait assez verbeusement, beaucoup plus dans le film, l’espèce de quête de l’absolue de Chiburgh, un serial killer incarné avec majesté par Javier Bardem qu’une improbable coupe Mireille Mathieu n’arrive pas à tourner en ridicule. Sanguinaire mais austère, il débarque dans le grand ouest caricatural des Coen, n’exprimant qu’une bizarrerie pantouflarde qui n’est pas sans rappeler le martien dans la Soupe aux choux, un peu comme s’il ne parlait pas le même langage. Ainsi pas de gun pour lui, il se balade avec une espèce de bouteille à air comprimé qui sert à tuer le bétail. Il tue comme ça, pour un oui, pour un non, pour un service à rendre ou pour un pile ou face. Une espèce d’assassin retro-bobo. Ce machin sans morale va retrouver sur sa route plusieurs personnages « atypiques » qui, justement, ne font pas trop « Coen » et leur galerie de gueules truculentes qui peuvent en agacer certains. Atypique, n’importe quel expert en immobilier vous le dira, ça veut dire que y’a le plancher de traviole ou un mur au milieu du salon. Josh Brolin, le « samouraï qui ne parle pas » est un nitro-clone de Nick Nolte jeune qui prend la poudre d’escampette car il a chopé une valise pleine d’argent, un deal de came qui a mal tourné. Il ne parle pas, mais il est rationnel et lisible. Mais ce n’est pas la pierre angulaire de l’histoire qu’il faut chercher ailleurs.

De l’autre côté de ce triforce un peu pathétique, il y a Tommy Lee Jones qui joue le même cowboy fatigué de “3 enterrements”, dans la droite ligne des westerns néo-dépressif post 90’s. A la foi énergie motrice du récit et pion à la dérive, il va essayer de retrouver le second avant qu’il ne soit tué par le premier. Retrouvera-t-il le Josh’ à temps ? Il se pose des questions sur son travail et finalement sur sa propre condition humaine. On notera un épilogue sublime qui prend la liberté d’éluder quelques verbiages inutiles du bouquin pour aller vraiment à l’essentiel, tout en ellipse. No spoiler here, mais c’est du Coen redevenu grand, comme on les aime. Pêchu et crâneur, No country for old men n’a rien à voir avec leurs dernières croutes et se permet le luxe d’être maitrisé, conscient de ce qu’il est. La classe totale et un ouf de soulagement.

Triangle


Commencer avec un bête gimmick de réalisateurs pour finir en apothéose de bonheur cinéphilique, c’est tout le programme de ce film-cadavre exquis où chaque metteur en scène élabore sa tambouille de son côté. Le best of de l’avant-garde historique des réa HK s’est réunie autour d’un pitch prétexte. Trois gus un peu paumés de la vie, trois pures non-gueules de HK, le moral dans les chaussettes récupèrent les plans pour chopper un trésor. Sauront-ils se faire confiance sans se trucider les uns les autres, c’est un des enjeux des aventures de ces pieds niquelés noichis. Ca commence sur les chapeaux de roue avec Tsui Hark d’amour. Même dans l’anecdotique, il sait se faire exceptionnel. Après avoir ouvert la voie du film d’action artsy (Time & Tide, sans doute un des meilleurs ever HK), il pose les bases du récit, mais qui défile à tout à l’heure. Même ultra simple, on risque à tout moment de se perdre au premier plan-cut ou sur une fausse piste. C’est tellement bien fait qu’on peut parler de « meilleur tier de film du cinéma asiatique » ever². Ses compères Ringo Laam et Johnny To n’ont plus qu’à dérouler le tapis subtilement placé en haut de la montagne. Laam insistera donc plus sur le drama humain tandis que To va amuser la galerie avec ses jeux de clair-obscur et ces héros qui tiennent maximum 10 secondes en place sans suer à grosses goutes. Triangle n’est pas un omnibus bricolé à partir d’une gadget rigolo, c’est un vrai film d’action frais et totalement futile dans le fond, qui exalte une pure joie cinéphilique. Ebouriffant !

Une note logique de ((wordpress/wp-content/uploads/dotclear/airwolf5.jpg)) , oui 5 motherfuckn’ Airwolf sur 5. The real thing.

Poum
((wordpress/wp-content/uploads/dotclear/totalementairwolf.jpg))


Lust Caution

Simulé ou pas ? Dans Lust Cauchonne (comme dit Pujadas) l’intensité du cul montré est à la mesure des promesses du titre, comme une spirale qui monte ou comme quand Robocop choppe le réacteur pour voler dans Robocop 3. Un vrai bon moment de cinéma. Ang Lee, son truc, c’est les relations normalisées mais totalement impossibles. Au fond, les deux cowboys homos de Brokeback Mountain ressemblent à Tony Leung et à Tang Wei. Mais dans L.C, l’histoire est volontairement sexy et violement cul. C’est étonnant de voir comment le maniérisme d’Ang Lee a complètement basculé entre les deux propositions tout en gardant son éloquence et son doux académisme. Des histoires de résistants et de collabos, de séduction dans le camp ennemi, on en a déjà vu ouate mille en France et même ailleurs, sous des angles d’attaques bien différents. Sans réaliser un miracle aussi important que la désacralisation du mythe cowboy, le style sobre et assez académique d’Ang Lee réussit un autre exploit et pas un des plus minces : rendre le cul troublant.

L’île

“L’île” m’avait été vendue par des russes comme un des best movies ever, que j’allais voir ce que j’allais voir, ultra profond et tout. En vérité, sa première qualité a été de sortir au bon moment, tel un tube de l’été bien calibré. Après des décennies de communisme, La Russie est submergé par un mysticisme étrange, qui oscille entre superstition et fanatisme dogmatique. Cette île, c’est le lieu reclus et isolé au nord de la Russie où un jeune marin échoue, laissé pour mort par les nazis. Peiné à mort d’avoir (assez lâchement) laissé crever son supérieur, il rentre dans les ordres dans le monastère de l’île, un endroit de méditation et de bons à rien comme dirait Mélenchon qui a un wikipedia sélectif.

Commence alors un chemin de croix qui va occuper sa vie entière, et où son zèle et son entêtement vont vite faire peur à ses collègues barbus (oui, les extrémistes sont toujours barbus, c’est comme ça…) Dans ce film volontairement lent s’agite un petit monde de croyants, chacun suivant sa voie et sa foi à sa propre manière, de préférence celle du « héros » de l’histoire. Car c’est le problème : ce que le spectateur lambda retiendra en mysticisme (et ça, y’en a un paquet), c’est autant de manifeste zélé pour les croyants. Attention, on est loin de la bêtise de la Passion de Gibson qui était loin d’être infinitésimale. Si l’on s’arrête au point de vue strictement moral avec en arrière plan, le boom mystico-religieux de la Russie, le fait de voir le plus zélé devenir l’apôtre de la bonne religiosité, tel un Eric Zemmour défendant son mono-modèle de pensée sur fond d’argumentation victimo-réac’, laisse un arrière goût désagréable dans la bouche. Tout le reste (et vraiment tout : acteurs, réa, narration, cadrage assez fou) est dans la droite ligne de ce qu’on aime voir chez les héritiers de Tarkovski.

Into the wild

Rentrer sur le territoire aride et peu propice du film « hymne à la nature », le film « à la Jack London », c’est un peu casse-gueule. A chaque moment, il risque de tomber dans le ronron de « la verdure, c’est le bien et le monde moderne, c’est le mal », dans le prêchi-prêcha à la Miyazaki, ou dans le danse avec les loups du pauvre (comme celui sorti en France avec Casta-Rouve). C’est vraiment compliqué de trouver un ton juste, sans parler du frisson de la honte du film daté qui nous rappellera le côté ridicule de l’entreprise. Par exemple, pendant plus de 15 années de ma vie, j’ai voué un culte sans fin pour Dersou Ouzala de Kurosawa alors qu’il m’est aujourd’hui absolument irregardable de mièvrerie. C’est à peine exagéré car avec Urga de Mikhalkov, c’est sans doute le haut du panier du genre.

Donc là, c’est Sean Penn (bouton hype activé) aux manettes « d’après une histoire vraie ». En général, ce genre de promesse finit toujours par nous proposer des ninjas et des scènes d’action avec des mecs qui grimpent sur les murs comme Spider-Man. Là, c’est sobriété et compagnie, il y a un « message ». Belle photo, ça, c’est bon, jolis décors, oké. Travail de la typo type journal de bord, ça passe pas mal. Y’a juste les scènes de mélange avec le monde moderne qui font lever les yeux, un peu comme quand un chanteur de rock profite de n’importe quelle occasion pour faire son laïus sur le tri sélectif des déchets et les dauphins en danger. Mais dans tout le fracas (« la nature ce mur de l’impossible »), c’est sans doute les scènes où ça discute le plus avec le vieux (oui, il y a un vieux plein de sagesse, comme dans les films de Kung Fu) qui sont les plus intéressantes. Bilan globalement positif donc avec Into the Wild qui évite de dériver dans le Carpe Diem facile, même si ça manquait de high kicks.

Onechanbara The Movie


Remember !

Bad acting, check

Cute girls, check

Zombies, check

Laser blade action, check

Cheap CGI, check

Cosplay de cow-girl, check

Le film qu’une génération attendait !

La Graine et le Mulet

Il est des scènes qui peuvent vous marquer toute une vie. Bien ancrée dans la réel ou au contraire, le dépassant complètement, c’est ces petits moments d’intensités qui nous déchirent l’échine, vous laboure le cœur la conscience et qui vous hantent par flashs cycliques… de vrais petits Year Zero du cinéma, à elles toutes seules. Autant dire qu’il n’y en a plus depuis longtemps dans le cinéma français.

La Graine et le Mulet arrive pile poil en fin d’année, à ce moment où les passionnés font le bilan sur ce qu’ils ont aimé de janvier à décembre. Et là, une question s’impose : que reste-t-il du cinéma français ? Le ciné qu’on appelle avec mépris « intello » propose deux ou trois tentatives, quelques pistes tout au plus mais rien de vraiment significatif. Le polar est un genre en berne, nageant entre le pathétique, le nul et le « part d’une bonne intention » (le Petit Lieutenant étant le premier qui me vient en tête). Vous aimez l’amour et les sentiments ? Laissez tomber, les coréens font ça, mieux, avec plus de force et de fraicheur dans un seul film (sortant en France) que dans tous ce qui pourrait passer en multiplexe. Le film « chorale », depuis Le Goût des Autres qui avait mis la barre haut est si ridicule aujourd’hui que même les caricatures sont moins drôles que les originaux, à la limite de l’auto parodie. Horripilant ! La guerre ? Ah s’il vous plait, on ne commence pas. La comédie est sans nul doute le genre le plus à plaindre avec au moins une tentative par semaine, toujours alimenté avec un pool génétique de 10 actrices grand maxi (Mathilde Seigner, Taglioni, Gillain, Doutey, Ledoyen… Même les roublardes à la Carole Bouquet ou la première ex-Robin des bois venue participent à l’escroquerie collective) et des acteurs avec plus ou moins de réussite qui attendent enfin un bon script. Dans cet univers co-sanguin, quasi-impossible de percer : même avec du talent, quelqu’un viendra saborder votre boulot.

Mais de cette machine germent donc encore des pépites dont l’acuité vous coupe le souffle aussi surement qu’un coup de pied en plein thorax. La graine et le mulet avait pas mal de défauts “de base” sur le papier pour n’importe quel mec avec quelques préjugés (oui, autocritique au passage). Ca se passe à Sète. C’est plein d’acceng. Le pitch aussi fait super peur : Slimane (le même nom que l’anthologique arabe dans Rabbi Jacob !) est foutu de force à la retraite, après 30 ans de labeur sur des chantiers du port. Il ne le dit pas, (Slimane n’est pas quelqu’un « qui dit » les trucs) mais la perspective de ne rien laisser à ses gosses, et même de n’avoir rien accompli encore dans sa vie le fait vraiment chier. Il se décide à utiliser le peu d’oseille dont il dispose pour remonter un vieux rafiot pour le transformer en resto flottant. Y arrivera-t-il ? Si une méchante image de type « l’instit’ » ou de n’importe quelle série aux bons sentiments vous passent par la tête, balayez-là, la Graine et le Mulet ne boxe pas dans la même caté. Ah oui, même le titre n’est pax sex.

Des histoires de restaurant avec menaces du quotidien, ça s’est déjà vu mille fois (et même parfois avec des high kicks, avec Bruce Lee qui finit par tuer des Chuck Norris). On pourrait même croire à une fable sur le labeur du type « Ensemble, tous devient possible ». Même pas. Le film décrit la difficulté de construire son entreprise en milieu hostile mais rien qui pourrait s’assimiler au club de l’entreprise. On retrouve un peu dans Slimane, le pendant rebeu de Balboa, celui du ”it ain’t about how hard ya hit. It’s about how hard you can get it and keep moving forward”. Il est imperturbable, ou du moins en donne l’air, face à ses enfants pourris et sa belle-fille qui le soutient dans son entreprise. Ce monde est beaucoup plus complexe et la caméra toujours légère ne s’appesantit jamais, demandant au spectateur une implication pour comprendre un monde dont les contours n’ont pas été passés au marker de la caricature pour le rendre plus compréhensible. L’autre choix de “cinéma vérité” (expression quand même archie salie par pleins de films chiants comme la mort) est pour Abdellatif Kechiche est d’allonger ces scènes clefs, sans bricoler des pics narratifs, de laisser le dialogue en toute limpidité. Moment de fou, une scène de couscous incroyable, dont est exclu le personnage principal du film !

C’est dans sa part de vérité que le film triomphe, dans sa manière d’essouffler le spectateur par sa justesse de chaque instant, de le mettre devant ce mur de non-dits dérangeants avec un jusqu’au-boutisme forcené, quitte à étendre les scènes en longueur, les rendant encore plus fragile au moindre cut. Entre “trop dire” et devenir pédant comme du Coline Serreau et montrer sans même prendre parti, plus neutre qu’un documentaire de type Strip Tease, Kechiche a choisit. Comme l’Esquive, c’est du cinéma social, exigeant mais très accessible (la marque des grands classiques), mais pour peu que l’on s’immerge, l’universalité du sujet et la justesse de la réalisation fera le reste. Et personnellement, j’apprécie aussi l’ironie revancharde d’un immigré arabe qui montre la voie à suivre en proposant le film le plus significatif et mémorable du cinoche français depuis De battre mon cœur s’est arrêté. Brillantissime, tout simplement.

Films 2007 en attente

La vie des Autres

Essayé mainte fois d’écrire un truc, et à chaque fois pas réussi ou pas le temps. C’est pourtant l’histoire d’écoute téléphonique la plus touchante du cinéma, ever. Sans Mitterand.

Fur : un portrait imaginaire de Diane Arbus

Je pensais toujours que Diane Arbus était trop « girly ». Avec Nicole Kidman, on change d’avis assez vite. Excellent « bio-pic » un peu « what if » sur la vie de cette photographe. Robert Downey Jr (l’année prochaine en Tony Stark, vivement!!) campe un malade absolument somptueux. A noter quelques scènes d’un érotisme bizarre foudroyant. Vraiment sous-estimé.

Bug

Huit-clos adaptation d’une pièce de théatre sur la paranoïa. Ashley Judd (remarquable actrice au passage) et son partenaire mec donnent une belle leçon d’actors’ studio dans un climat ultra étouffant, malsain et psychologiquement violent. Le moment où tout bascule (paroles dans le noir échangé dans un lit post-coïtal) est un des moments les plus fantastiques du film. Passionnant mais il faut avoir le cœur un peu accroché ou une bonne distance avec le sujet, ce n’est pas le teen slasher du coin de rue.

TNMT :

A noter le pic au milieu du film, atteint par une baston dantesque entre Leonardo et Raphaël, merci youtube. Sans doute un des meilleurs duels en CG. Le reste est dispensable.

Ségo & Sarko sont dans un bateau :

Oh ne me lancez pas sur Ségolène… Ni sur l’autre.

Ma vie n’est pas une comédie sentimentale

Comédie sentimentale (justement) comme le cinéma en sort des hectolitres, au moins un par semaine en ce moment. A part la présence notable d’un camarade en charismatique testeur de jeux vidéo (et traducteur de klingon), c’est assez affligeant.

2 Days in Paris

Julie Delpy s’égotrip en fille moche en réalisant une comédie sentimentale très valable. Encore une fois on voit la supériorité du cinéma US (car il s’agit bien de ça) sur ses homologues français.

Love et ses petits désastres

Et triomphe du cinéma anglais dans son genre roi, la comédie sentimentale, avec sa méthode calibrée, quasi scientifique de créer des personnages secondaires intéressants, attachants et crédibles, tout en maitrisant le recul et le second degré. De plus, le film n’est pas avare en Brittany Murphy en pleins de tenues même les plus légères, plus excitante que jamais. Quelle belle fille, pourvu qu’elle soit un peu selective sur ses films et elle finira mieux que Sandra Bullock (premier exemple au pif). Meilleure Lov’com de l’année, sans problème, avis aux couples.

Persepolis :

Pas du tout « relaté » au truc. Passé complètement à côté des passages drôles… Le doublage manquait pas mal de pêche et de conviction. A moins que c’était une volonté du réalisateur ?

Zodiac

Tiens j’avais déjà écrit un truc sur Zodiac ? Tans pis, on va sniper. Peut-être le meilleur film de Fincher et pourtant plein de défauts : il colle trop à l’histoire et du coup, il bazarde ses persos presque comme dans une série quand un acteur ne veut pas renouveler son contrat, tel un parachutage idiot. Un énorme goût d’inachevé et de mouif.

Tehilim

Le film commence par une lecture analytique de la Torah, sur ce que fait quelqu’un qui perd ses repères. 2 mômes vont se retrouver sans père, disparu presque « comme par enchantement », et vont tout faire pour le ramener. Un film profond sur le désarroi avec une bonne dose de mysticisme religieux. Magnifique.

Ratatouille

Une grande leçon de cinéma, où l’on montre en une scène comment un rat va pouvoir donner des instructions à un être humain en lui tirant ses cheveux. Oui, écris comme ça, ça fait ridicule, mais le savoir-faire Pixar joue. Rien qu’avec cette scène, Ratatouille pose sa manière de percevoir le monde aussi surement que les voitures-mouches de Cars. A noter aussi le mecha design (les voitures ! les scooters !) et en guest Paris, modélisé en version kawaï-retro de manière absolument flamboyante. Truc bizarre : tous les rats qui devraient parler avec un accent français ne le font pas, préférant l’intonation Woody Allenienne. Mmmm étrange, cette sélection nationale…

Le michaël moore de l’année :

Mensonger, idiot, simplificateur et même dangereux. Et inefficace en plus: ça ne convaincra que les gens les plus simplistes déjà acquis à la cause. Vite vu, vite oubliu.

The Bubble :

Un habitant de Tel Aviv tombe amoureux d’un palestinien (qui lui aura bien du mal à vivre cette idylle). Assez simpliste, ce Roméo & Juliette à la sauce proche-orient n’a rien de marquant, si ce n’est une séquence de perte de pucellage qui me vaut cette triviale interrogation : est-ce par “conformisme hétéro” que les gays utilisent le missionnaire dans cette scène ? Une fin malheureusement en dent de scie.

Black Snake Moan

Cassé par la vie, Sam L. Jackson (il joue lui-même, comme d’hab) enchaine chez lui la nymphomane Christina Ricci (plus sexy que jamais, en minishort Daisy Duke, un pitch à elle toute seule) pour la guérir de ses “démons”. Une scène absolument fantastique, celle du Black Snake Moan, justement, où Samuel entonne un chant entre mystique vaudou et prêche, que dégusteront tous les amateurs de blues. Même Justin Timberlake joue aussi très juste et ne dénature pas le ton général. Du cinéma B qui va chercher au delà, ça fait du bien.

Raisons d’état / The Good Shepherd

Film « gros sabot » de Robert de Niro, le genre à faire 3h mais dont on sort en se disant qu’on a appris plein de trucs sur comment fonctionne la CIA. De l’efficacité à la Quin’ri, des acteurs au diapason pour un film ultra blabla, construit comme un biopic. Mouais.

L’avocat de la Terreur

Barbet Schroeder fait le portrait pendant 2 heures de Jacques Vergès, le goupillant totalement et le décapsulant à la fin en le mettant face à ses contradictions manifestes. Passionnant de bout en bout (connaître un peu l’actu des années 70 peut servir).

La Fille coupée en deux

Acting à l’avenant (mais peut-être est-ce un style), propos confus, situation difficilement envisageable… Chabrol qui réalise comme Woody Allen, son style, enchainant juste ses films par principe de réaliser… zzzzzzzz

La vie d’artiste

Quand on vous parle de « film parisien » avec un ton méprisant, c’est à ce film qu’il faut penser. Tout y est hideux, des personnages imbus d’eux-mêmes, des situations… Denis Podalydès de la comédie française ne peut pas sauver cet objet vilain. A noter qu’une des actrices double un « manga » (des extraits de “Nicky Larson passent”, sous un autre titre, Yoko quelque chose… Bonjour la crédibilité) tandis que le film se termine sur une fausse convention, type japan expo mais en toc (passage qui mérite d’être youtubisé par les fans pour montrer avec quelle non-exactitude on peut évoquer leur passion). Horrible. Et moche.

Superbad De l’autre côté du globe, une leçon de comédie. Après un début un peu mou, on pouvait craindre le pire. C’est alors qu’arrive le super geek « Mc Lovin » qui vient dynamiter le film. Le Deadly Trio part pour des aventures de fins d’année en vue de dépucelage. Une efficacité de réalisation et de narration, doublé d’une espèce de filtre de nostalgie. Tellement mieux qu’American Pie, tellement supérieur à tout ce que le cinéma français aura tenté en drôle ces dernières années.

The Youth without Youth

Nul. Le retour de Coppola père à la réa est désastreux, pontifiant comme un gars qui veut signifier des concepts cosmiques à chaque plan (remember the Fountain). Un mec frappé par la foudre en Roumanie rajeunit. A partir de là, le film part en sucette métaphorique, parabole de n’importe quoi et des petites lubies du réalisateur. Sidérant de non-intérêt, donc culte à bien des égards.

My Bluberry Nights

Wong Kar-wai fait ici un spinoff de ses films, en transposant ses chinois aux USA. Norah Jones rencontre Jude Law qui tient un bar. Mais en pleine rupture amoureuse, elle se casse (euuh mais pourquoi ?!) pour faire un tour des usa, ce qui est très commode pour sortir la playlist ipod de Wong Kar-wai. En plus d’être plombé par des dialogues imbittables type Lelouch (« tu sais, la vie, c’est comme une tarte aux myrtilles… » ce road movie amoureux est inégal et difficilement crédible (Oui, donc Jude Law, patron de bar, va passer un an… un an… à attendre un hypothétique retour de cette fille somme toute assez banale, et surtout, sans qu’aucune nana ne tente sa chance sur lui… sur fuckn’ Jude Lawa Maiiiiis oui bien sûr, l’amour c’est beau. A noter une bande son quand elle n’est pas assoupissante (Norah) est honteusement pompée sur d’autres trucs (celle de Carnets de Voyage à un moment…)

Forêt de Mogari

Beaucoup moins bon que Shara, cette balade champêtre d’un petit vieux proche de la mort et de son accompagnatrice, lente, silencieuse, a 2-3 scènes vraiment grandiose, notamment celle d’une pluie torrentielle qui s’abat sur les deux pèlerins. Pour spectateurs patients.

Old Joy

Balade champêtre bis entre deux potes d’école, l’un devenu beatnik, l’autre plus senior manager. La vie les sépare désormais, mais ils « bond » together dans cette balade dont la seule scène d’action est une proposition de massage. Assez fin, pour spectateurs patients aussi.

Syndromes & a century

Sans intérêt, aucun.

Secret Sunshine

L’actrice s’est chopée une palme pour son interprétation super larmoyante de son « combat de femme » tellement standard qu’on le croirait calibré pour M6. C’est un classique… Quand la femme tombe dans legouffre/ladrogue/ladétresse, il y a toujours une récompense à la clef. Heureusement joue aussi Song Kang-ho (Host, Memories of Murder), brillant comme à chaque fois, qui sait jouer ce regard vide mais lucide comme personne d’autre au monde. Largement overhypé, Secret Sunshine sombre trop souvent dans le too much pour qu’on s’en souvienne plus que de raison.

Ceux qui restent

Vincent Lindon (je l’aime bien) et Emmanuel Devos (sans moi) dans un mélo un peu décousu et sans vraie finalité. Pas touchant pour un sous. Avec des coréens, c’eut été sans doute mieux.

Le rêve de Cassandre

Woody Allen, non drôle, filme presque une pièce de théâtre dont les enjeux dramatiques sont plus que bof. Heureusement que se termine sa trilogie anglaise très imparfaite, il va pouvoir revenir aux choses sérieuses.

American Gangster

Grosse machine du film gangsta appliquée, Denzel Washington n’y est même pas vraiment énervant. C’est dire. Il y a toujours ce petit côté agaçant, ce monde des années 70 sur plusieurs plans de lectures, à la limite des calques Photoshop genre « regardez comme je vous restitue une époque ». Dans son genre, We own the night était plus subtil. Heureusement, la fin, tout en actor’s studio vaut largement le coup de se matter ces 2h30. Du bon cinoche à la K1ry, t’as vu.

Fantastic Four and The Silver Surfer

Oh, commencez pas. Craptastic Four.

sur 5

The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford

On ne voit presque pas le nom du réalisateur sur l’affiche de The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford. C’est Andrew Dominik. Qui se souvient de Chopper ? Qui l’a même vu ? Personne< Ce mec est un bon, un réalisateur à suivre. Bob Ford (joué par Casey Affleck, phénoménal) s’incruste dans l’entourage d’un des premiers bad guy du mythe américain Jesse James dans les derniers moments de sa vie. Fatigué, il essaye de concilier vie de famille et derniers grands larcins. Plans larges sur la nature façon Terence Mallick, regard posé sur l’horizon. J.J est une espèce d’aura de sexyness intense (sans doute aidé par Brad Pitt, hein). La scène de l’attaque d’un train dans la nuit sombre devient un moment ultra sensuel absolument époustouflant. De ce côté, Affleck a un regard inquiétant, perdu entre le fanboy admiratif et l’ami hypocrite qui finira par trahir son pote. On le plaint, car finalement, même Judas a eut la pudeur de se suicider devant l’acte accompli. Plusieurs films en un, JJ est une réflexion sur le wanabisme tout en ne perdant pas de vue que c’est un des films les plus bouleversant qui soit sur la dépression et finalement du suicide. J.J est un film troublant, perturbant comme un cailloux dans la chaussure et grandiose, dans le sens Mallick du terme.