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Summer of Sorrow: ciné tristesse
Jul 23rd
Il fait moche, hein, pas vrai ? Mais si, tout le monde le dit. En plus, le métro reste infesté de cons alors qu’ils étaient tous supposés partir en vacances. Et ton bouiboui chinois qui te faisait ton riz Loc-Lac qui ferme en juillet. Et les hausses du gaz, de l’essence, de l’électricité et du Tropicana Pure Premium… Rassure-toi, le crash financier que tout le monde prédit pour septembre arrive à grand pas pour niquer tes espoirs de retraite.
Je sais tout ça. C’est pour ça que je pense avec une sélection tristesse pour égayer ton été. Robotics ne se consacre pas qu’à la fête des blockbusters de l’été de l’amour. Alors accroche-toi, tu vas te prendre du désespoir massif en uppercut dans la mâchoire.
J’ai rencontré le diable est sans doute le film le plus gai de cette sélection. Kim Jee-woon est un peu le second couteau du cinéma coréen. Il fait un peu les mêmes films que ses copains mais toujours en moins bien. Dans le genre, A bittersweet life avait à peu près autant de mordant que le gauchisme de Michel Sardou. Alors, après le film de mafieux, après le film de genre (le bon, la brute, le cinglé, méga bof), il décide de faire son Old Boy. Et tant qu’à copier, tu prends le même acteur (Choi Min-sik, génial). Ce dernier joue le rôle d’un psychopathe sordide qui découpe ses victimes. Et un jour, il fait un meurtre de trop, la petite amie d’un agent secret (Lee Byung-Hun).
Il décide alors de se venger. A chaque fois que Choi va essayer de remettre ça, l’agent secret (qui lui a fait avaler un émetteur gps) débarque et le torture chaque fois un peu plus. Avec une sensibilité toute Old Boyienne et ce stamina purement coréen (les mecs sont immortels jusqu’au générique final, même si tu les transperces avec un marteau piqueur).
On lit, ici et là, que le cinéma coréen traverse une mauvaise passe, que son âge d’or s’est terminé avec la fin des quotas de films nationaux. Que, du coup, les studios ne prennent plus de risques, laissent moins de liberté aux artistes. Et puis faut-bien-les-comprendre, ils sortent d’une dictature, alors ils ont flambé toute leur énergie.
Chacun de ces arguments est recevable. Le problème, c’est que pour étayer la moindre thèse, on vous sort Old Boy comme si le ciné us s’était arrêté à Sin City. Puis on vous parle de “J’ai rencontré le diable”. Trop facile.
Il repose sur une idée simple et sadique : le vengeur devient carrément un psychopathe. Qui est vraiment le diable du titre, c’est l’ambigüité, la seule, de cette espèce de torture-porn pas très subtil ni très intelligent mais glauque à souhait quand il ne provoque pas des rires nerveux de part sa grotesquerie, soit sa propre limite. Idéal pour amorcer cette sélection “Summer of marasme”.
Bon, je triche. La dernière piste (Meek’s cutoff en v.o) n’est pas siiii triste que ça. Alors, c’est vrai, dans ce road movie période conquête de l’ouest, on ne communique pas trop. On se déteste presque en avançant doucement à travers les USA. Evidemment, on déteste aussi les indiens. Et au milieu de tout ça, Michelle Williams. Que j’aime beaucoup mais tu peux être sur que si elle est dans le film, c’est la garantie d’une ambiance sinistre. Le parti pris, c’est de filmer ce périple et ses plaines arides et désertiques comme un huis clos, à l’image de son format 1.33 assez rare au cinéma et qui donne à la fois le sentiment de cadrer le ciel et de se sentir à l’étroit. Kelly Reichardt avait déjà réussi son coup avec Old Joy (les retrouvailles déprimantes entre deux potes du collège que tout sépare aujourd’hui mais qui partent faire du trekking ensemble alors qui ne se parleront quasiment pas pendant tout le fucking film, une anti-bromance silencieuse), elle refait à peu près le même tour de passe-passe en rajoutant un indien comme menace mais aussi, c’est le paradoxe du film, comme mince espoir du cortège lancinant. Pas triste per see, mais vraiment pas réjouissant.
Blue Valentine est encore un film qui pue la tristesse car, hé, Michelle Willams joue encore dedans. Elle est super, d’ailleurs, tout en sinistrose et retenue, devant un Ryan Gosling en mode roue libre actor’s studio qui en fait des tonnes. Et que voilà-t’y-pas que quand je ne casse pas la gueule à un mec, je joue du ukulélé, et puis hé, je menace de me suicider si tu me fais du boudin. Le sur-jeu a trouvé son nouveau maître, épaulé par une crédibilité indy us sur laquelle viennent se coller les macarons Sundance.
Le couple se dissout d’ailleurs dans une machine fatigante du film indé lambda américain qui se regarde filmer deux phases de la vie de ses personnages. La rencontre (jeune) et le divorce (ils sont vieillis, Gosling est grimé en chauve etc). La chose qui fonctionne le mieux, c’est que les deux acteurs sont tellement self-concious de leur propre performance qu’ils s’étouffent mutuellement, exactement l’objet de Blue Valentine Mais franchement, si tu veux de la tristesse, que ce soit celui-là ou un autre de ces films labels Sundance… Comme on dit en Russie, “c’est comme la poussière : y’en a tant que tu veux”.
Une Séparation est sans doute un des meilleurs films que j’ai vu cette année. Et pourtant, ce n’est pas le plus triste. Attention pitch anxiogène qui va te faire préférer le film de torture coréen : Alors qu’il est sur le point de se séparer de sa femme, Nader engage une aide-soignante (un peu pieuse) pour se charger de son père qui a Alzheimer. Malheureusement, grosse embrouille, il la vire. Malheureusement pour lui, dans la panique, l’aide-soignante, enceinte, fait une fausse couche. Le voilà inculpé de meurtre et menacé par le mari endeuillé. Il lui reste encore sa fille comme soutien indéfectible au dépend de son ex, mais est-ce que ça suffira à convaincre la justice iranienne. Guerre de classe, société stratifiée, une Séparation, c’est une lutte sociale en plus d’un drame sentimental.
Je me souviens avoir lu quelque part un mec se réjouir (et l’écrire quelque part sur internet, tant qu’à faire) sur l’air de “ralalalah tout ce qu’ils ont pris, les Ayatollah”. Une Séparation est bien plus que ça. Il est très dur d’écrire des personnages sans les rabaisser à leur statut et pourtant Asghar Farhadi y arrive avec une classe inouïe, une vraie passion pour son sujet. Evidemment, tous sont pris dans un engrenage assez horrible où la situation ne fait qu’empirer à chaque instant. Et puis pour combler le quota sadness, l’autre enjeu du film, c’est la fille qui finit, elle aussi, par se séparer. Pour schématiser, Une Séparation, c’est le Se7en du divorce.
Et maintenant passons au summum de la tristesse. Plus que la mort de bébé-chiots. Plus cracra que tous les films de cette sélection du désespoir. Arirang est (je crois) une expérience inédite dans l’histoire du cinéma puisque le réalisateur Kim Ki-duk y met en scène sa propre descente aux enfers.
Oui, c’est bien le Kim Ki-duk, le réalisateur star des festivals, le mec à la quinzaine de film (dont parfois plusieurs par an). Le mec de Locataires, de Printemps, été, automne hiver, de Coast Guard… Le marginal, l’autodidacte, l’exacerbé. Mais où était-il passé depuis 4 ans ?
On a la réponse avec cet Arirang, une œuvre autobiographique qui n’est pas du pipo contrairement à I’m Still Here. Au cours d’un de ses tournages, son actrice principale manque de se suicider. Grave trauma, sens confucéen des responsabilités. Kim sombre. Littéralement. Il se retire du monde du cinéma et part vivre comme un clodo dans une cabane quelque part dans la cambrousse reculée de Sud-Corée.
Il se laisse aller, devient littéralement loqueteux (prends ça, espèce de performer de Joaquin Phoenix), et se filme lui-même en DV durant 4 ans. Il chante son malheur (la fameuse chanson Arirrang) et commente sa vie qui dérape. Le matin en faisant fondre la glace, le soir en filant des coups dans son groupe électrogène qui alimente son pc, seul contact avec le monde extérieur. Il va finir par se bricoler un flingue. Va-t-il s’en mettre une avant le staff roll ? On sait bien que non, du coup, cette espèce de chantage au suicide diminue la portée du film mais pas son intrinsèque tristesse. Alors que ce genre de démarche fleure un peu l’égo-pipo-toxico, Kim Ki-duk arrive bien à faire sentir son extrême détresse, même à ceux qui n’ont aucune idée de ce qu’est la vraie dépression. Il souffre abominablement durant deux heures, nous rendant témoin de la torture qu’il subit, en mode full frontal. Rarement a-t-on vu quelqu’un d’aussi triste dans un auto-documentaire.
Sans une pointe d’humour, pathétique, Arirang est le film indispensable d’une bonne sinistrose, un symbole crépusculaire du ciné coréen actuel. Prix Un certain Regard à Cannes 2011, sa sortie en salles n’est pas encore programmé en France. Mais je suis persuadé qu’un distributeur a flairé le bon coup, le nez sous la bruine de juillet.
Et je vous fait grâce de Melancholia. Allez, les aminches : enjoy.
Yellow Sea -The Murderer-
Jun 8th
C’est l’hypothèse qui revient chaque année : et si l’actionneur mastoc, celui qui va te percuter la gueule cet été, était coréen ? Car 2011, le cinéma coréen de rageux strikes back. Ouais, celui avec des petits asiats trapus, volontiers moustachus, qui sautent les deux pieds en avant, dans les dents. Celui qu’on aime, la machette à la main
Yellow Sea – c’est The Murderer en France ou Hwanghae si un jour, comme moi, tu te paumes au sous-sol d’un Virgin de Séoul. Je te propose d’ailleurs celui qui se trouve vers ce bâtiment :
pas loin de :
mais ça remonte à l’année dernière, je ne vois plus trop où ça se trouve.
Je disais ça car tous les DVD sont sous-titrés là-bas. Prends ça, “lejapon”.
Donc, Yellow Sea s’inscrit dans la tradition des polars noirs du pays, sans une once de lumière et encore moins d’espoir. Pire encore : la plupart des séquences de Murderer ont été filmé à Yanji, chef-lieu de la préfecture autonome coréenne de Yanbian, une de sympathiques subdivisions de la Chine. Mais de toute manière, même Busan a l’air d’une cave quand elle est filmée par Na Hong-jin, qui avait déjà fait son coup avec The Chaser. Donc tu sais que ça sera pas joli-joli. Surtout quand c’est l’histoire d’un gus acculé par la vie et la misère qui va accepter un contrat. Assassiner quelqu’un, il n’a jamais fait mais il va évidemment se retrouver dans une mouise pas possible, pris entre deux clans mafieux.
Yellow Sea s’offre le luxe d’avoir un démarrage très lent. Ce n’est qu’après le premier larcin que tout s’emballe, le tout monté par Kim Seon-min qui s’est déjà occupé des films de Bong Joon-ho. Dès lors, fini le fondu au noir, on passe en mode jump cut à fond les ballons. Le film va prendre un rythme fou qui n’est pas sans rappeler son Chaser (on retrouve les deux acteurs principaux de ce dernier mais avec une habile inversion de rôles). Sauf qu’ici, Na Hong-jin ne s’attarde pas trop à développer les personnages : il s’agira surtout de tuer ou être tué. C’est à ce moment qu’on retrouve ce qui fait la classe des films coréens, ce stamina incroyable qui fait que ses antihéros survivent jusqu’au générique de fin. À tout : aux coups de couteaux, aux crashs autoroutiers et aux haches plantées dans le dos. A la clef des courses poursuites absolument Airwolf, généralement seul contre une meutes équipée en lames. Dieu bénisse l’interdiction des armes à feu en Corée.
En prime Yellow Sea t’offre ce que j’appelle le Pack “Elite” du cinéma coréen, ce panaché un peu gue-din de genres : de la violence mastoc, une scène de caisses qui renvoie Fast&Fu chez sa Madeo mais aussi de l’humour à froid, une satire sociale, un apercu sur les méconnus Joseon-jok , ces coréens de Chine… Et puis cette mélancolie folle qui te ronge l’âme.
Merci Cannes, Un Certain Regard sur la course, machette à la main.
Sortie en France le 20 juillet 2011.
Ow man, ça m’a redonné envie d’écrire sur la Corée…
Barking Dogs never bite
Dec 21st
Pas de surprise, Barking Dogs never bite est un film fantastique. Robotics ne parle généralement que des films vu en salle ou se contente des daubes visionnées au cours d’un trop long voyage en avion car je n’arrive pas à me résoudre à regarder un DVD. T’auras toujours un problème de téléphone qui sonne, de SMS qui fait digidong, A vrai dire, je ne possède que très peu de DVD par rapport à la masse de ciné que j’ingurgite par an (ça tourne autour de la centaine and counting) mais je me garde 2-3 classiques et une ou deux valeurs sûres mais sous blist, à voir un jour de joie ou de vague à l’âme. Et tout indiquait ce jour-là que je verrais Barking Dogs never bite, le tout premier film de mon réalisateur culte Bong Joon-ho.
« Aucun animal n’a été blessé ni maltraité sur le tournage », tu parles. Même sans souffrir pour les besoins du cinéma, les toutous prennent chers. Tout d’abord parce que le héros, un prof wanabee, typiquement ce genre de mec lambda comme seul le ciné coréen sait les inventer, harassé par les aboiements, finit par prendre en grippe tous les clebs de son voisinage et décide de les tuer. Ou de les enfermer là où personne ne les trouvera. Il se fera devancer dans l’échelle du cradingue par d’autres mecs qui font du ragout-toutou la nuit tombée, en cachette. En bonus, l’inévitable portée sociale avec justement une aide (sociale) qui veut donner un sens à sa vie en recueillant les avis de recherche des propriétaires de chiens disparus. C’est une jolie coréenne grimée en moche (Bae Doona, déjà elle, avant Airdoll ou The Host). Et puis il y a ces plans incroyables sur l’architecture post-dictatoriale et une démarche artistique inimaginable pour une comédie noire… on pourrait continuer pendant des heures. A chaque fois, avec Bong, le même choc de l’ambition formelle, d’un amour des classiques et de la volonté de faire un cinéma populaire qui ne se moque pas du monde. En boxe on parlerait de catégorie. Dans la sienne, Barking Dogs met K.O debout tout ce qui s’est fait depuis une décennie.
Palmes, oscars, le grand déballage
Oct 26th
Ils ont eu des prix. On est content pour eux. Dans une optique syncrétique (et aussi pour me faire gagner du temps pour le reste des projets made in Robotics dans les cartons), bam, passage en revue, maintenant.
Cette année, j’ai tenté comprendre pourquoi Sandra Bullock a eu son oscar de la meilleure actrice (oui, c’est dur à avaler donc je la refais : Sandra Bullock a eu l’oscar de la meilleure actrice). The Blind Side. En bonne MIFL, elle prend sous son aile un gros black, un ado SDF qu’elle va encourager à continuer dans la voie du football américain. Douloureux de se souvenir de ce machin. C’est based on a true story ce qui en général se résume en un mot: “Pain”.
Jeff Bridges avait tout pour enfin recevoir un prix. Il est comme le bon vin, il devient meilleur avec les années. Il n’est même ridicule dans le rôle d’Obadiah Stane dans Iron Man, ce qui n’était pas gagné. Dans Crazy Heart, il joue un chanteur de country alcolo qui va finir par tomber amoureux du cul joliment moulé dans son jean de la jeune secrétaire journaliste jouée par Maggie Gyllenhaal. Ca a l’air si vrai qu’on se croirait devant un biopic. Franchement moins crépusculaire que le mythique Honkytonk Man d’Eastwood, il arrive vraiment à rendre crédible. Et fuck, Colin Farrell et les autres acteurs sont super. Un film si ripoliné qu’il en serait presque agaçant.
et demi
Ce qui est tout le contraire d’El Secreto de sus ojos, qui dans le genre esthétisant se pose là. “Dans ses yeux” a tout du film qui choppe l’oscar du film étranger. Le propos doit être doux-amer, une certaine fatalité. L’année dernière, c’était l’horripilant et lacrymal Departures qui a eu ce même Oscar. Ca fout quand même les boules, il y a 50 ans, c’est Kurosawa qui la choppait et maintenant, Departures. “Dans ses yeux” n’est pas mauvais loin de là, mais on dirait qu’il est figé dans le propre mythe qu’il veut installer. Les acteurs sont beau, la péloche est tellement léchée, l’amour tellement impossible et puis avec ce petit fond historique balancé dans le mix… Tout y était mais voilà, non, y’a un truc qui ne passe pas.
Apichatpong Weerasethakul aurait du me dire quelque chose. Ce sera la seule fois que je le tape ici, enjoy. J’ai eu comme un choc dès que le film a commencé à balancer ses plans fixes, ses zooms à deux à l’heure. Bam, ça m’est revenu : Syndromes and a Century, y a 3 ans. Et c’est pourtant le genre d’expérience dont on se souvient, seul-tout dans le MK2 Beaubourg. A vrai dire, il y a un truc qui m’a marqué, c’est le zoom continu sur le tube d’aération d’un hôpital qui balance de la fumée blanche. On ne peut pas oublier ça. Dans mon topo ciné 2007 des films dont j’avais oublié de parler, j’ai écrit ceci : “Syndromes & a century Sans intérêt, aucun.”
Wow, j’étais ressorti bien vénère, donc. Mais Oncle Boobmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures alors ? C’est bien. Même très bien. Si ton dernier contact avec la Thaïlande c’était Tony Jaa, Oncle Bonmee va te dépayser. En fait la nature profondément animiste du récit en fait une espèce de film à la Ghibli mais avec des vrais acteurs, sans que l’histoire ne bascule vers un gloubiboulga de dégueuli vers sa fin, la marque de fabrique des récents Miyazaki. Pas certain que ça méritait une palme, mais ce n’est pas si long que ça, mais la fin est superbe. A voir si t’as les bollocks.
Des hommes et des Dieux a une qualité : Xavier Beauvois, le réa, ne joue pas dedans. Il n’avait pas pu s’empêcher dans le Petit Lieutenant, mais là, c’est bon, il n’allait pas faire un moine. D’ailleurs qu’est-ce qui s’est passé, avec sa petite tête de minet de “N’oublie pas que tu vas mourir“? Tu le vois en interview, métamorphosé, le mec. Quoiqu’il en soit, à la place, on a Michael Lonsdale (toppissime) et Lambert Wilson (intéressant, et rien que d’écrire ça, je suis scié), plus les autres, moins exposé comme Sabrina Ouazani (from la Graine et le Mulet) ou encore Adel Bencherif (Ryad d’Un Prophète).
Mon père me disait à l’époque “mais qu’est-ce qu’ils étaient allés foutre à Tibhirine, ces mecs”, une question qui revient souvent chez les athées et les pragmatiques. Le film s’attache donc à montrer leur petite importance sociale dans le village. On les voit soigner les arabes du coin, faire du petit commerce sur la place du marché etc. Mais surtout, et c’est un des propos principaux ici, Des hommes et des dieux est un film sur la prémonition. Ils sentent aussi bien que nous l’imminence de la mort. Questionnement, renoncement puis courage. L’autre angle important, c’est qu’il y a une forme de vanité, de ces mecs qui le disent franchement : ils n’ont pas d’autres endroit où aller, un peu comme des hommes politiques qui n’auraient fait que de la politique dans la vie sans penser à apprendre “un vrai travail”.
Après, on peut discuter sur la véritable motivation des mecs (semble-t-il que père Christian était le vrai Professeur Xavier, un mentor super lettré qui a maintenu à lui tout seul la petite communauté jusqu’à la mort). Mais le simple fait que ce soit un magnifique F.A.Q sur le Don à Dieu version catholique (au même titre que l’Île pour la religion orthodoxe. Il est amusant de constater que les films mettant en scène l’islam ou le judaïsme montrent plus volontiers l’éloignement de la religion) va agacer un paquet de monde… car tout y est : le renoncement dans un pays lointain, le travail, l’abandon et puis finalement le martyre. Movie-wise, c’est même plutôt réussi, avec différents pics narratifs bien pensés comme la venue du premier terroriste et puis bien évidemment la “scène dont tout le monde parle” sur fond de Tchaïkovski, totalement wannagain. Mais la photo est magnifique et surtout… ah allez, quoi, la France sait pas faire les films sur sa propre actu, même d’il y a 30 ans. Malgré les tentatives comme Mesrine ou, bien plus mauvais, Indigènes, il y a toujours comme une barrière filmique. Donc quand on voit une tentative un peu ambitieuse, j’ai une tendance à être plus gentil:
Le pitch de Poetry du super précieux Lee Chang-Dong rappelle un peu celui du génial Mother. Une mamie élève seule son connard de petit-fils. Elle est propre sur elle, assez gaie et se montre pas vraiment tourmentée lorsqu’elle apprend que cette petite pourriture a été mêlé dans une affaire de tournante. En fait, la pauvre s’intéresse à la poésie alors qu’on lui apprend qu’elle soufre d’un Alzheimer. Palme du meilleur scénario, mec. Je n’avais pas franchement accroché sur le précédent film du mec (Secret Sunshine, un film au titre passe-partout qu’on pouvait inclure dans la collection “Combat de femmes” de M6). Le problème de Poetry, c’est qu’il doit affronter la performance, il n’y a pas d’autres mots, de Mother qui apporte vraiment une solution à cette offre de cinéma “classique”. Reste quand même quelques scènes brillantes, toute en ellipse, Alzheimer oblige, notamment avec le flic.
C’est la fête des
T’as remarqué tout le pathos des films précédents ? Alors accroche toi, Biutiful d’Inárritu avec Javier Bardem (palme du meilleur acteur) est là pour te faire une promo. Dans un Barcelone cracra si loin de l’Auberge Espagnole, Uxbal (quel nom ultime, si j’avais un robot géant, je l’appellerai Uxbal !) exploite des clandos chinois. Pour soigner un peu sa conscience, il communique avec les morts, un service qu’il monnaye quand il n’est pas occupé à aider des sans-papiers sénégalais. Mais malheureusement, il apprend dès le début du film qu’il est atteint par un cancer métastasé sa race et qu’il n’en a plus pour longtemps. Il essaye de mettre en ordre sa vie en essayant de se faire à l’idée qu’il va laisser ses deux enfants à sa femme hystérique qui n’hésite pas à cogner quand elle ne le fait pas cocu avec son frère. Je crois que j’ai tout dit, les bases du film sont posées. Ah non, c’est un ancien toxico aussi.
Le pire, c’est qu’avec un planning lacrymal aussi chargé, Inárritu s’en sort mieux que dans l’horripilant 21 Grams et son navrant Babel pour la simple et bonne raison qu’il abandonne toute forme de narration choral. C’est linéaire et c’est Uxbal. What you see is what you get, and what you get is Bardem en feu. Ce mec, même bien avant No Country for Old Man, c’est le genre d’acteur que t’as envie de voir évoluer, s’exprimer. Et là, il est un peu chafouin vu toute les emmerdes qui lui tombent sur la gueule. Il est vraiment immense, au sens propre du terme, avec sa gueule bien carrée qui imprime bien la péloche, sans pour autant vampiriser les autres comédiens qui essayent d’exister à côté de ce robot de combat. C’est parfois un peu lourdingue comme toute la filmo d’Inárritu, mais derrière le symbolisme parfois neuneu, il y a clairement du mieux. J’imagine qu’en Corée, le même sujet aurait vraiment mieux marché. Sauf pour les sénégalais.
Note : J’ai appris que Kaboom a gagné la palme “Queer” à Cannes. Whut. On invente n’importe quoi, y compris le prix œcuménique. De toute manière, j’ai d’autres plans pour parler de celui-là.
Tournée, prix de la mise en scène pour Amalric, l’acteur qui a réussi à impressionner des dictateurs dans Quantum of Solace en menaçant de “doubler le prix de l’eau”… rien que ça, ça méritait une palme. Avec lui, c’est quitte ou double, plutôt avec succès puisque je l’ai trouvé brillant dans “Un conte de Noël“. Il raconte ici l’histoire d’une troupe de “New Burlesque”, des strip teaseuses pas toujours aussi jolies que Dita Von Teese mais plutôt rigolotes. A la base, j’aime pas, je préfère 10,000 fois voir Dita Von Teese. Mais c’est moi, hein. Mais voir le making of, pourquoi pas. En fait, il y a tromperie (gentille) sur la marchandise puisque le sujet du film, c’est Mathieu Amalric lui-même, le promoteur de la tournée. Petite crapule, entertainer génial, mégalo patenté, ce mec donne l’impression d’être la symbiose de tous les rôles qu’a joué Amalric au cours de sa vie, le cracra impulsif et lunaire. Trainant les filles d’hôtels en hôtels, meublant par des mensonges, il laisse découvrir ses facettes beaucoup plus que les filles (très natures, forcément) qui se contenteront d’un portrait en forme de “délurés excentriques” et de “tristesse inévitable de la showgirl fofolle”. Pas certain que ça méritait une palme de la mise en scène, mais l’acting, à part quelques divagations moches, est vraiment ce qui marque.
et demi.
Reste une question : QUI a vu le film qui a valu une palme à Juliette Binoche ? Ca s’appellait Copie Conforme. Sans déconner ?
Summer Blockbusters 20XX, le rappel
Jun 9th
Saison blanche et sèche de blockbusters pour l’instant. Enfin si, on a un Robin des Bois qu’on aime un peu comme on aime la prestation d’un vieux sportif qui vient faire un dernier tour d’honneur sur une piste. J’aime les vieux au ciné. Mais heureusement qu’on a parfois des programmes “appel d’air” qui ne soient pas des comédies sociétales pré-approuvées par Zemmour.
Je te fais un récap rapide, à moins que tu ne sois venu que pour Batman XXX. Hein, coquin.
L’an dernier, ici-même débutait l’opération SOS le cinéma Japonais, pour faire un peu un état des lieux de la cata et des perles à récupérer. Ouais, parce que si t’es pas au courant, même la série Z y est devenu pourrie ces 10 dernières années. Dire qu’on survivait à peine à One Chanbara (dans le genre on adapte un jeu vidéo basé sur la sainte trinité sabres-filles-zombie). 2010, on a droit à ce genre d’horreur…
Gothique et Lolita. Et horreur. C’est triste, on dirait qu’ils n’essayent même plus.
Résultats des courses, les meilleurs films japonais de mon classement, c’était Still Walking (Kore-Eda, brillant), Evangelion 2.0, le Grand Chef (un film de cuisine fighting coréen, mais j’ai déjà expliqué en images pourquoi et comment le kimchi dégomme le Sushisashimi) et enfin… Summer Wars. Qui est un film biclassé, mi-japonais mi-blockbuster. Et il sort aujourd’hui en France. Me le suis tapé déjà deux fois (dont une dans l’avion, ça compte pas), et si j’envisage une troisième, c’est vraiment que ça vaut le temps que tu vas passer dans ton fauteuil. On se la refait : Summer Wars.
Sinon, coup de hasard, ça évitera les doublons. Air Doll du même Kore-Eda sort en salle. La même semaine. Ok, pas évident d’apprécier ce film où une poupée gonflable devient humaine (j’viens de me rendre compte que la bande-annonce est proprement irregardable, donc hop, pas ici). Included, une des scènes de sexe les plus bizarres ever qui te fera frissonner les poils en y repensant. Garanti.
Bon, allez, je vais pas te chercher les séances non plus, allez, houste. Bonus, les salles seront vides à cause de la Coupe du Monde. Attention, ça ne durera pas.
Mother
May 30th
Pauvre maman. Dès la première image, on la voit déjà perdre les pédales, à danser dans un champ toute seule. Cette mère se donne corps et âme à sa quête. Un soir, une fille est retrouvé morte. Pour la daronne, aucun doute possible. Son fils Do-Joon, certes borderline demeuré, n’est pas le meurtrier que tout accuse. Pour les flics expéditifs, l’affaire est entendue. La mère va entrer en croisade à la limite de l’autodestruction pour rétablir la vérité et innocenter son gosse.
Mother tombe pile poil pour clore en apothéose une décennie de power movies made in Corée. On ne sait pas si cet âge d’or continuera, si des boulets de canons d’une telle intensité continueront à nous arriver dans les dents.
Comme ses précédents films The Host et Memories of Murder, le Mother de Bong Joon-ho est le résultat d’un spectacle total, surfant sur différents genres sans jamais vautrer. C’est quand même énervant, cette réussite arrogante, alors que le cinéma français s’y viande systématiquement, son ambition artistique maintenue en vie par quelques rares perles (hello, un Prophète). Merde quoi, les coréens, ils étaient encore en pleine dictature y a pas si longtemps, et maintenant, c’est les rois du MMORPG et du cinéma de très haute qualité. Pire. C’est le syndrome Pixar : t’as l’impression qu’ils font ça les doigts dans le pif.
Sur mon DVD de Memories of Murder, Bong Joon-ho n’a même pas son nom sur la jaquette. Sans déconner. Injustice pour le génie qui en trois films s’est construit une œuvre à part (mais presque normal quand tu vois que la vanne récurrente du moment, c’est d’essayer de prononcer le nom du réa de la Palme d’Or 2010, vraiment trop drôle, les mecs). Dès cette première scène de danse écervelée dans les prés (j’y reviens), tu comprends que Bong fait déjà le bilan de son propre style. Il joue avec. Cette mère groove de manière comique dans une prairie (motif de Memories of murder). Elle est une marginale (The Host) et va pousser son enquête contre vent et marée face à la flicaille incompétentes (re-Memories). Et puis il y a ce gout pour les paumés et les asociaux, parsemés par des éclairs d’une violence inouïe. On te parle d’une maman, là, quand même. C’est sa fête. En un instant, un seul plan, le coréen te fait basculer de Freud à Bagdad, dans ce bled paumé où tu peux te faire tuer parce que t’as rayé une caisse.
La toile de fond vaguement familière, finalement, Bong Joon-ho s’en tape (mais c’est pas un hasard si ses deux seuls films précédents soient des classiques des 2000’s, cités en référence par pro et amateurs). Il nous fait un truc radicalement différent, en jonglant comme d’habitude entre les genres. Critique sociale, polar, drame, grotesqueries, émotions pure, on a tout, en parfait équilibre. Massif. Il te fait tout basculer en un plan, d’un coup de génie bien senti. Et ça marche. Malgré toutes les zones de réflexion, les fausses pistes purement polar, et la boue, Mother reste limpide et pertinent. Un exemple parfait de cinéma exigeant et ultra populaire, à la Hitchcock.
Les médias te survendent tellement l’expression “film coup de poing” (coucou, Enter The Void) que quand t’en as un devant toi, un vrai de vrai, t’es pas toujours fichu de le comprendre. Mother transforme la volonté inébranlable d’une mère en tank cinéphile. Rien ne l’arrête. Brillant. En 3 films, ce mec prouve que c’est un authentique génie.
Tu vas me demander comment fait un film pour être aussi bien sans coups de pied sautés ? Check la séquence à 0’15 de la bande annonce.
Rien que cette séquence mérite que je ressorte le label qualité maison:
The Host
Dec 26th
Parmi mes 3 DVD achetés cette année, un seul était un film : Memories of Murder, par Joon-Ho Bong, son génial réalisateur dont le nom, scandale suprême, ne figure même pas sur la jaquette du DVD. Oui, il y a juste marqué « commentaire audio du réalisateur ». Démerde-toi avec ça. Mais ne cherchez pas plus loin, c’est LE nouveau réalisateur de ce siècle, le premier à avoir marqué de sa pâte les genres qu’il touche. Memories of Murder jouait déjà au funambule, opposant une enquête policière ultra codifiée à d’autres styles. Parfois burlesque, souvent tragique, politique sans jamais devenir pamphlétaire, Bong réussit un petit miracle d’équilibre qu’il reproduit aujourd’hui avec The Host, un film de monstre, genre par excellence. En général, la norme veut que les trente-quarante premières minutes du film servent à se poser, le temps de mettre en place la situation, vazy qu’on te montre un bout d’œil de la bête. Ici, la situation est dégoupillée au bout de 2 minutes. Tout le monde court dans tous les sens. Le « streum » est dans la place, écrabouille et bouffe des gens. Le film va donc s’attarder sur autre chose, la vie d’une famille de paumés, des laissés-pour-compte de la reprise coréenne. Un patron d’un snack bar pourri, son fils (Song Kang-Ho alias le meilleur anti-héros du cinéma, rien que ça), et ses frangins. La fille de notre Tchao Pantin sauce Kimchi est enlevé par la bestiole. De son côté, l’état essaye de contrôler au mieux la situation en créant une psychose. La famille de pieds-niquelés va donc essayer de retrouver la petite dernière par eux même. Des scènes jouissives se succèdent, le tout formant une boucle, jusqu’à l’inévitable assaut final, grand moment de guérilla urbaine, dantesque, un vrai souffle révolutionnaire. C’est la première fois qu’un genre d’apparence aussi “série Z” que le film de monstre arrive à toucher tous les genres, du burlesque au tragique, allant toujours là où on ne l’attend pas mais sans jamais se cramer les doigts. Memories of Murder était un constat historique, The Host est une vraie prise de position, cinématographique et sociale.
A Bittersweet Life
Jun 25th
Le cinéma coréen me passionne, mais parfois, faut bien avouer qu’il n’est pas forcement génial (suffit de voir le récent Duelist). Bitter sweet life s’en sort plutôt moyennement, avec néanmoins quelques bonnes scènes. Oh ça reste quand même moins idiot qu’Old Boy, mais c’est dans la même veine. Malheureusement, le retour à la pègre « classique» n’empêche pas ce film de genre d’être victime de sa propre banalité. A voir peut-être mais sans vigueur.
April Snow
May 3rd
Il est des énigmes qui resteront pour moi à jamais des mystères cosmiques. Tout d’abord, le mystère de la création divine et le cinéma coréen. Franchement, la Corée, son ouverture vers l’occident, mais par dessus tout son cinéma. Leur industrie vient de quasi nulle part. Et là, paf. C’est claque sur claque. Mais OÙ trouvent-ils la FORCE de produire des films comme ça. C’est simple, il y a toujours un film coréen dans mes préférés de l’année. Voire Plus. Prenons l’exemple d’April Snow. Une bluette comme on dirait en France. Un homme et une femme qui se rencontrent à l’hôpital. Leurs époux sont dans un état grave. Ah et cerise sur le gâteau, ils les ont trompé tout deux. Nos deux cocus vont irrémédiablement être attirés l’un vers l’autre. Le scénario ? Du mélo. Pas de quoi casser trois pattes à un canard. Mais l’exécution. La finesse. Les plans de caméra bouleversant. Le raffinement de l’œuvre finale. La perfection du couple resplendissant, tout deux beau comme des dieux, filmé avec ce qu’il faut d’implication, de sobriété et de douceur. COMMENT Font-ils, ces coréens ?!
La pègre
Jul 14th
Crypto sortie (une seule salle à Paris, il y’a de cela quelques temps) pour le dernier film d’Im Kwon-taek, réalisateur du sublime Ivre de Femmes et de Peinture. Une sortie qui aurait sans doute au moins mérité les centaines de copies de House of Wax ou de Brice de Nice. Enfin chaque film a le droit de vivre en théorie… La pègre est une saga qui nous s’étend de la fondation des deux corées jusqu’aux années 70. Tae-woong est un jeune loubard du lycée. Le film retrace son ascension, son parcous du lycée jusq’au hautes sphères de la corruption. Mais quel que soit son métier ou le poste qu’il occupe, peu importe le milieu dans lequel il se trouve, il garde ses petites manies de racailles. Il tabasse, cogne et sans doute ne comprend pas très bien le monde qui l’entoure. Le film passe très vite d’une époque à l’autre, à l’image des affiches du cinéma de quartier. La pègre est assurèment un film fort, qui n’hésite pas à aborder les épineux problèmes de corruption liée à la presence américaine (quelques scènes hilarantes d’ailleurs !). Les acteurs sont convaincants, imprimant bien la pélicule avec le poids des années qui défilent à toute berzingue. Une critique de ciné calibré type, on écrirait un truc du genre « un film coup de poing ». Ah décidément les sagas historiques, je suis bon client.
Com-Robot